サミュエル・ラインハルト　インタビュー
アルバム「ピアノと笙のための作品集」について​

「私の音楽は、心に響く人への呼びかけであり、その人が一瞬立ち止まり、ただ耳を傾けることを促すものです。情報の密度を落とし、より緩やかな時間性に身を委ねるとき、私たちは注意の周辺に膨らむ小さなものたちに気づくことができるのです」— サミュエル・ラインハルト
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座間裕子（座間）：これらのピアノと笙のための作品はどのように構想されたのでしょうか？また、作曲の構造についても少しご説明いただけますか？
 
サミュエル・ラインハルト（ラインハルト）：初めて笙という楽器を耳にしたのは、アイシャ・オラズバエヴァと佐藤尚美によるジョン・ケージの『Two4』（ヴァイオリンと笙のための作品）の美しい演奏でした。日本で1ヶ月のレジデンスに参加する機会を得た際、オランダ在住の佐藤尚美さんに連絡を取ったところ、彼女は快く東田はる奈さんを紹介してくださいました。この東田さんが、最終的にこれらの作品で笙のパートを担当してくれることになったのです。
 
私は長年、ピアノの減衰音を引き延ばしたり「保存」したりする手法に関心を抱いてきました。近年では主に、電子音響コラージュや、複数のピアノのための非常にゆっくりとした、音の少ない作品の中でこの概念を追求してきました。笙の澄んだ倍音は、ゆっくりと進行するピアノ作品の試みに組み込む上で理想的な質感をもたらしてくれました。
 
作曲について説明しますと、最初の作品では、3台のピアノがそれぞれ独自の単調なモチーフを追い求め、繰り返し演奏します。これらのピアノは同期せず、それぞれのペースで互いをゆっくりと周回することで、常に変化する音響効果を生み出します。ピアノには3つの笙が伴奏し、それぞれが独自のテンポで動きながら、素材リストから個々の音や和音を奏で、ピアノが演奏する旋律的モチーフの和声的な「反映」を提供します。第二曲では、1台のピアノが演奏時間を通じて3つの異なる図形――アルペジオ、即興演奏、和音――を繰り返し演奏します。これらの反復のそれぞれに、1つの笙が伴奏します。笙は自由に音や和音を選び、ピアノの最初の図形から現れ、3番目の図形へと消えていくように演奏します。
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「ピアノと笙のための作品集」楽譜 © Nigel Rubirosa
座間：これらの楽曲は2023年に東京でのレジデンス期間中に作曲・録音されたと伺いました。このレジデンス期間中、制作前と制作後を含め、プロジェクトがどのように形作られていったのか、お聞かせいただけますか？日本での生活は作曲作業にどのような影響を与えましたか？
 
ラインハルト：実は東京への旅行を準備していたニューヨークの自宅にいた頃から、これらの曲を書き始めていました。素材を構造的にどう組み立てるかについては、かなり明確な構想を持っていました。ですから最初のステップは、使いたい音色を見つけることでした。私のほとんどの室内楽作品と同様に、音楽の構成要素は極めてシンプルです。
 
記譜されたピアノのフレーズは非常に単純な音程構造で構成されており、笙奏者が演奏するためのより密度の高い和音やクラスターのための十分な余地を残しています。東京に到着するまで笙のための楽曲を書いた経験がなかったため、来日後に東田はる奈さんと直接会い、この楽器の特性や、可能な音の組み合わせやフレーズについて具体的な議論を始めました。ピアノパートもまた、コペンハーゲンで遠隔録音され、見事なファツィオリ製コンサートグランドピアノを用いて、たった1日で録音されました。
 
私の作品のポストプロダクションは通常、非常に最小限で、主に音のバランス調整に限定しています。録音した状態を可能な限りそのまま保つよう心がけているからです。
 
日本での滞在については、ただただ素晴らしい経験だったとしか言いようがありません。この国で時間を過ごし、多くの旧友と直接再会し、数多くの新しい友人に出会えたことに深く感謝しています。近い将来、もっと長く滞在できるよう再び訪れたいと願っています。
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東京での録音セッション © Nigel Rubirosa
座間：このアルバムで演奏している東田はる奈さんとポール・ジェイコブ・フォッサムの二人の音楽家の演奏には非常に感銘を受けました。どちらも極めて繊細で、あなたの作品の微妙なニュアンスを深く理解しているように感じます。お二人とのコラボレーションはどのように始まったのですか？
 
ラインハルト：東田はる奈さんと出会えたことは、私にとってこの上ない幸運でした。彼女は驚くほど洞察力に富み、直感的で、全般的に非常に才能豊かな演奏家です。ポール・ジェイコブは、ここ数年私が緊密にコラボレーションしている数少ない音楽家の一人です。ポール・ジェイコブは過去数年間、私の室内楽作品を形にする上で欠かせない役割を果たしてきました。音楽活動において、これほど深く共鳴し合えるパートナーを得られたことに深く感謝しています。
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ポール・ジェイコブ・フォッサム © Nina Treichler
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東田はる奈 © Nigel Rubirosa
座間：CDの制作過程でこれらの2曲を何度も聴いてきましたが、聴くたびに少しずつ異なる印象を受けるように感じます。おそらくこれらの曲には、聴く者の内面と共鳴する要素があり、そのおかげで毎回新鮮な聴き方を体験できるのかも知れませんね。演奏者と聴衆の関係性について、ご自身の作品ではどのようにお考えですか？
 
ラインハルト：このような極端に限定された素材と、楽曲内にこれほど多くの余白を伴う作品では、演奏者と聴き手が体験する過程で生じるあらゆる要素が、必然的に作品の一部となるのだと思います。当然ながら、聴き手として作品に吹き込まれるものは、聴くたびに変化します。それゆえに、これらの楽曲が聴くたびに受け取られる印象も、少しずつ変化していくのでしょう。私はこの種の音楽を「多孔質」なものと捉えています。演奏者と聴き手が体験にもたらすものに対して多孔質であり、また音楽が演奏され聴かれる空間や環境に対しても多孔質なのです。
 
私の楽譜は演奏者に一定の自由度を与え、指定された時間枠内で好きなだけ演奏したり、あるいはほとんど演奏しなかったりすることを許容しています。演奏中に意図的に「何もしない」時間を持ったり、ただ聴き入ったりすることも可能です。これにより予測不可能な音楽的結果が生まれるだけでなく、演奏者と聴衆の間に一種の深い結びつきが生まれます。楽曲が展開される中で、双方が深く集中した聴取の行為に没頭できるためです。
 
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Samuel Reinhard © Nigel Rubirosa
座間：これらの楽曲の構造は非常にシンプルですが、音符の少なさにもかかわらず、コンテクストは極めて豊かで、ほとんど物語的にも思え、聴き終えた後には印象的な余韻と、深く時間軸が伸びたような感覚が残り、静けさで空間が満たされます。これは非常に魅力的な特徴だと感じました。
 
あなたの2023年のエッセイ『砂漠が教えてくれた休むこと、耳を傾けること』も読みましたが、現在の作曲スタイルを確立するに至った経緯に深く感銘を受けました。そのエッセイの冒頭で次のように書かれていますね。
 
「私が発見しつつあった音楽は、和声的にも構造的にも、ある種の内的均衡によって特徴づけられていました。これらの楽曲はそれ自体の中に安住しており、どこかに到達しようとする努力はなく、非方向的で、ある意味静止している状態でした。さらにそれらは遅さ、穏やかで節度あるテンポによって特徴づけられ、これらの作曲の根底にある推進的な組織原理は反復であった。」
 
作曲において「静止、沈黙、遅さ、反復」があなたにとってどのような意味を持つのか、ご説明いただけますか？
 
ラインハルト：「反復」は私の作曲における主要な構成原理です。反復は深い集中を可能にします。次に何が来るかを知っていることで、未来への不安が消え去るのです。予期不安のない状態では、私たちの心は安らぎを得て、ただ知覚することに専念できます。各演奏者は割り当てられたモチーフをそれぞれのペースで追い求め、反復します。それぞれが自身の時間を生きているのです。そうして展開されるのは、絶えず進化する音符と和声の組み合わせの流れです。
 
「遅さ」という要素もまた、私の作品において重要な側面です。音楽素材に呼吸する時間を与え、音が再び現れる前に休む時間を与えることで、興味深いことが起こり得ると気づいたからです。
 
ここで「沈黙」が重要な役割を果たします。対位法的な力として用いられる沈黙は、何かが演奏される瞬間と何も演奏されない瞬間を等しく重要なものとして扱うのです。これにより、人間の身体によって奏でられた音の余韻や痕跡が満ちる、作曲の「間」を観察することが可能になります。
 
そして最後に「静止」です。演奏者に静止することを許し、一定期間何もしないことを許し、音楽が展開するのをただ聴くことを許すための静止です。
 
座間：これまで（そして最近も）あなたの音楽的成長に影響を与えた人物は誰ですか？
 
ラインハルト：私は音楽院で学んだわけではないので、クラシック音楽の正式な訓練を受けていません。美術学校に通い、音楽とメディアアート、視覚芸術、パフォーマンス、文学を組み合わせた修士課程を修了しました。美術学校に入る前は、電子音楽に深く没頭していました。ですから、私の音楽的バックグラウンドは主に実験的な電子音楽に根ざしており、初期の音楽的影響の多くはその世界から得ています。ウィリアム・バシンスキー、カーステン・ニコライ、ダレン・カニンガム（女優）、エリアン・ラディグ、アキラ・ラベレス、ハロルド・バッドといった人々が、私に大きな影響を与えました。
 
在学中、ジョン・ケージ、「ニューヨーク・スクール」、そして特に私が深く尊敬するモートン・フェルドマンの作品をより深く知るようになりました。同時代の人物としては、サラ・ダヴァチの作品を、電子音楽の分野でも、また彼女の室内楽アンサンブルとの作品でも、非常に好んでいます。また、日本のサウンドアーティストであり作曲家でもある FUJI||||||||||TA の作品、そしてスイスとベトナムの血を引く作曲家であり、ベースプレイヤーでもあり、私の頻繁な共同制作者でもある ヴィンセント・ユエン・ルイスの作品も高く評価しています。
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Samuel Reinhard © Nigel Rubirosa
座間：音楽以外の分野で、あなたに大きな影響を与えた人物や事柄はありますか？
 
ラインハルト：私は、一般的に、限られた表現手段の中で人間の知覚や経験の複雑さを捉えることに成功した作品に強く惹かれます。視覚芸術では、抽象表現主義の画家、アグネス・マーティンが思い浮かびます。また、マーク・ロスコ、ロバート・アーウィン、ウォルター・デ・マリアの作品も思い浮かびます。さらに、作曲家からアーティストに転身したマックス・ノイハウスも忘れてはなりません。彼は私の故郷であるスイスのベルン、そしてここニューヨーク、ニューヨーク州ビーコンに、公共の場所に複数の恒久的なサウンドインスタレーションを設置しています。幼い頃から、これらの作品を単に私の町の建築の一部として体験してきたことが、私の心に深く刻み込まれていると実感しています。
 
座間：新しい作品を作曲するきっかけ（あるいは動機、原動力）は何ですか？
 
ラインハルト：簡潔に言えば、これは単に私が最も好んで聴く音楽のジャンルだからです。より詳しく説明すると、私が作曲する音楽は、私が最も心地よく感じる知覚状態を呼び起こすものです。私が一番安らぐ場所。私の音楽が持つ余白と欠如、方向性の定まらない展開は、今まさに起こっていること――つまり現在進行形で起きていること――を、わずかながらも実際に起きているものとして認識し、観察することを可能にしてくれます。目立つものから微細なものまで。私の音楽は、そうしたものに気づかせてくれる比喩的な空間だと考えています。そこでは一時的に警戒心を解き、一度許せば、実際に知覚できるものの全体像と深みを安全に体験できるのです。いわば、感覚への過剰な刺激と情報過多が支配するこの世界において、本能や衝動に逆らう行為と言えるでしょう。そのため、私の作品には現実逃避的な要素があると言えるかもしれません。
 
しかし同時に、そこには社会的な側面も存在すると信じたいと思っています。個人が世界を体験する方法を、他者が理解し共感できる形で翻訳し伝える方法を模索することは、多くの芸術表現の核心だと考えます。これは非言語的なコミュニケーションの一形態であり、人間の存在と創造への欲求に極めて本質的なものだと感じます。つまり、私のこうした小さな表現を凝縮して言えば、それは「知覚すること」への招待状と言えるかもしれません。心に響く人への呼びかけであり、その人が一瞬立ち止まり、ただ耳を傾けることを促すものです。情報の密度を落とし、より緩やかな時間性に身を委ねるとき、私たちは注意の周辺に膨らむ小さなものたちに気づくことができるのです。
（2024年3月 elsewhere musicによるインタビュー）
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東田はる奈と笙 © Nigel Rubirosa
「ピアノの減衰音の響きを長く引き延ばすことに、私はかねてより興味を持っていました。笙の澄んだ倍音は、ゆっくりと流れるピアノ作品の試みに組み込む上で魅力的な質感をもたらしてくれました」（サミュエル・ラインハルト）
 
ゆっくりと、静かに進行する音楽。ニューヨークを拠点とするスイス人作曲家サミュエル・ラインハルトは、音楽における反復の探求を通じて、このようにリスナーと演奏者双方に呼びかける。
 
『ピアノと笙のための作品集』には、現代音楽分野でも活動する東京在住の雅楽奏者・東田はる奈と、コペンハーゲン在住のカナダ人ピアニスト、ポール・ジェイコブ・フォッサムが参加。フォッサムはラインハルトの2023年作『2台のピアノと弦楽三重奏のための作品集』にも出演している。本作の2曲は、2023年にラインハルトが滞在したコペンハーゲンと東京で録音された。
 
マルチトラック録音による1曲目では、3台のピアノが糸のようなモチーフを追い求め繰り返し、それぞれのペースでゆっくりと互いを包み込む。ピアノには3本の笙が伴奏し、限定された音域から単音や和音を奏で、ピアノの旋律的モチーフを和声的に「映し出す」。こうして生まれる音は絶えず変化し続ける。2 曲目では、ピアノが演奏時間を通じてアルペジオ、即興、和音という三つのパターンを移動する。この連鎖の繰り返しごとに、一つの笙が伴奏する。笙は自由に音や和音を選び奏で、ピアノの最初のパターンから現れ、三つ目のパターンへと消えていく。
 
演奏者は終始、音色が消え入るまでタッチや ブレスで音色をキープする。その間に小さな即興演奏が入ったり、ピアノの音色が笙の繊細な不均等な音程に触れることにより、音楽は静寂を深めていく。ラインハルトはこう述べている——与えられた時間枠内で奏者に演奏量を自由に調整させることで、彼らは「演奏中に何もしないでただ音を聴く時間を持つことができ、それにより、演奏という行為と聴くという行為の間に親和性が生まれる。それは、演奏者とが聴き手が共に深く作品に没入できる瞬間を共有することを可能にする」。聴き手は、演奏された作品を聴くことで、二人の演奏者が生み出した時間が引き伸ばされた感覚、そのゆっくりと時間が流れる世界から浮かび上がるあらゆる細部や感情を体験し、そうした聴き手の心に刻まれる余韻によって、この作品は完結する。
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Samuel Reinhard HP

​​*CD and digital album are available here on the elsewhere site and Bandcamp
​​(CD release:  May 1, 2024)